Esta ponencia es una reflexión amplia —y, en ocasiones, polémica— acerca de la naturaleza y del significado de las ciudades creativas. Busco situar el concepto de las ciudades creativas dentro del contexto de la llamada “nueva economía” y detallar las conexiones de estos fenómenos con los cambios tecnológicos, las estructuras productivas, el mercado laboral y la dinámica de las ubicaciones de las aglomeraciones. Trato de mostrar, en particular, cómo las estructuras de la nueva economía desencadenan formas específicamente históricas de innovación en las ciudades modernas. La discusión tiene que ver aquí y allí con temas de políticas y, sobre todo, con las posibilidades generales y las limitaciones a las que se enfrentan los responsables de la elaboración de las políticas durante cualquier intento para construir ciudades creativas. Se discuten los efectos de la globalización, con una referencia especial a las perspectivas de la aparición de una red global de ciudades creativas enlazadas a través de relaciones de competencia y cooperación.

El concepto de ciudades creativas se ha introducido en los últimos tiempos en el orden del día de los teóricos del urbanismo (Landry y Bianchini 1995), y se ha debatido mucho sobre sus distintos significados y aplicaciones prácticas, tanto en los círculos académicos como en los de los responsables de la elaboración de las políticas. La reciente y amplia mediatización de recetas para el éxito de la regeneración y del desarrollo urbanístico basado en “la clase creativa”, tal como ha sido propuesto por Richard Florida (2002), ha dado lugar a la necesidad nueva, intensa y urgente de una aclaración de este debate.

En esta ponencia, trato de alcanzar tres objetivos fundamentales. El primero es describir los móviles principales de la economía urbana en general, y mostrar cómo, dentro del contexto de la llamada “nueva economía”, parece estar aumentando una cierta cantidad de formas específicamente históricas de la ciudad creativa. El segundo es aprovechar esta descripción como base para la evaluación de lo que los responsables de las políticas pueden tratar de alcanzar de una forma realista en la búsqueda de un mejoramiento de la creatividad urbanística y del desarrollo económico local. El tercero es situar firmemente estos temas dentro del contexto de la globalización, y mostrar cómo las ciudades creativas funcionan cada vez más dentro de un sistema global de competencia y cooperación económica. Mi objetivo más amplio es alcanzar una perspectiva general crítica de las interacciones reflejas entre la urbanización y la creatividad en la sociedad contemporánea, y destacar tanto las tendencias positivas y negativas que se ponen en marcha como consecuencia del surgimiento de las ciudades creativas como elementos distintivos del escenario global contemporáneo.

Allen J. Scott, Profesor del Departamento de Geografía de la Universidad de Los Ángeles

Compártelo:

El SESC (Servicio Social del Comercio) de São Paulo es una institución de carácter privado que tiene como misión pública ayudar a los trabajadores del comercio y de la comunidad en general mediante actividades educacionales para el desarrollo físico, cultural y social de la sociedad. El SESC fue creado en 1946 por empresarios del comercio. En aquella época, y como consecuencia de necesidades específicas, nuestras prioridades eran las acciones orientadas hacia la salud, la nutrición y el ocio de los trabajadores.

El SESC se financia a partir de las contribuciones de empresarios del sector del comercio y la prestación de servicios, el uso de estos recursos se encuentra bajo un riguroso control de los poderes públicos del Estado. Actualmente, el SESC tiene 31 centros deportivos y culturales en el estado de São Paulo, la mayoría de ellos inaugurados en los últimos 20 años.

Para administrar el SESC en São Paulo, aplicamos una metodología basada en la alta calidad en los servicios prestados a los usuarios y en los recursos humanos, instalaciones y equipamientos, adaptados a las metas sociales y educacionales de la institución. El compromiso institucional del SESC con la calidad de vida de los trabajadores del comercio ha garantizado su historia ininterrumpida durante 62 años. El trabajo realizado en nuestros centros para los trabajadores del comercio en las esferas sociales y educacionales ha sido reconocido por la población y por las autoridades del país.

El SESC cumple la importante tarea de minimizar las desigualdades sociales, y su déficit en las políticas culturales públicas y en el desarrollo socio-educacional de la población de Brasil. Las directrices socio-educacionales del SESC en São Paulo tratan de actuar sobre la integración social, cultural y deportiva de nuestro público objetivo, y están siempre próximas a las transformaciones de nuestra realidad. La tecnología, la comunicación, el trabajo, el ocio, la diversidad cultural y el desarrollo físico, entre otros, son algunas de las motivaciones que guían la programación de nuestras actividades.

Nuestros centros se encargan del servicio de alimentación de ancianos, adultos, niños y niñas, adolescentes, estudiantes universitarios, trabajadores, mujeres y hombres, quienes participan en actividades ya sea por separado o en grupos. Por lo tanto, nuestros locales son sumamente diferentes debido a su flexibilidad y se pueden adaptar a varias necesidades.

Esta flexibilidad, que se puede observar en nuestros centros culturales y deportivos, también se encuentra presente en nuestro nivel conceptual a través de la pedagogía que constituye la base de todas nuestras actividades físicas o artísticas. Por ejemplo, las actividades físicas como los cursos, los talleres y las clases abiertas son flexibles de tal manera que se pueden adaptar al conjunto de habilidades de los participantes del grupo.

La acción cultural, cuya directriz en la organización consiste en promover las condiciones necesarias que permitan a las personas disponer de una autonomía para crear cultura, ha sido uno de nuestros objetivos en la intervención educativa. La importancia de nuestra política socio-cultural ha marchado paralelamente en las últimas décadas con la expansión física del SESC en el estado de São Paulo. Dentro de la acción cultural englobamos varias áreas temáticas: la educación medioambiental; el desarrollo físico a través de las actividades deportivas, de las artes plásticas y visuales; y de programas desarrollados especialmente para la infancia, los ancianos y los adolescentes.

Estas actividades aportan un espacio de reflexión acerca de la cultura y la sociedad a través de seminarios y debates. Los eventos deportivos como el Día del Desafío Deportivo, y los programas para la educación para la lucha contra el hambre y los desechos domésticos llamados A Mesa Brasil son solo algunos ejemplos de éstas.

El SESC en São Paulo ha actualizado y expandido su capacidad para prestar servicios para sus usuarios a través de sus fundamentos básicos: la acción cultural, y la propuesta de la educación permanente y de la educación a través del ocio. Los centros son espacios para convivir juntos, y con la ayuda de un equipo técnico calificado, nuestras intervenciones tratan de conciliar las condiciones y el desarrollo personales.

• Con acción cultural: promover condiciones necesarias para que las personas y los grupos creen sus propios objetivos en el universo cultural.
• Con educación informal y permanente: actividades educativas que permitan a las personas tener una auto-superación continua, y en una forma que se adecue a sus intereses personales, en lugar de seguir un aprendizaje formal tradicional.
• Y, por último, la educación a través del ocio se encuentra también presente en las actividades de desarrollo cultural y deportivo. Éstas ayudan a las personas a emplear el tiempo libre para la educación y establecen una relación en la cual el ocio se convierte en un instrumento de desarrollo cultural para todos los sectores a los que prestamos servicios. Este modelo es, por cierto, fundamental en la realidad brasileña.

Danilo Santos da Miranda, Director SESC São Paulo

Compártelo:

Las estrategias por sí solas no bastan. ¡Lo que necesitan de verdad son los creativos!

Desde la década de 1990 el gobierno del Land de Nordrhein-Westfalen se ha consagrado a la Economía de la cultura. Fue el primer Land de la República Federal de Alemania en publicar, ya en 1992, el primer informe sobre Economía de la cultura viendo en este segmento potenciales claros de crecimiento. Puede que, en un primer momento, sorprenda una fecha tan temprana, dado que Nordrhein-Westfalen, que alberga la zona del Ruhr, se caracterizaba por aquellos tiempos sobre todo por las estructuras de la gran industria, la llamada “old economy”. El acero y el carbón habían impreso su carácter durante décadas a la región y habían dejado huella. Sobre todo, una orientación económica relativamente única hizo que el cambio estructural, que se había iniciado ya en la década de 1950, se convirtiese en un largo proceso de transformación. De los más de 500.000 puestos de trabajo existentes antaño en la minería esta actividad ocupa en la actualidad tan solo unos pocos cientos de personas y ello además por poco tiempo, ya que el abandono de la extracción de carbón, a más tardar en 2018, es asunto zanjado.

¿Qué ha quedado? Además de una mentalidad de solidaridad entre compañeros muy acusada en la región del Ruhr, han quedado sobre todo terrenos y edificios de la antigua industria como, por ejemplo, la antigua mina y la coquería de Zollverein, la cual es parte desde 2001 del Patrimonio Cultural de la UNESCO. Estos lugares tienen una cierta magia que atrae a creativos y artistas. Lo mismo sucedió con el Zollverein cuando, una vez abandonada la extracción de carbón en el año 1985, sus primeros usuarios fueron los dueños de galerías y los artistas. Sin embargo, a diferencia de muchos otros antiguos reales industriales de este tipo, el Zollverein estuvo desde un principio protegido como monumento. Rápidamente hubo que establecer una concepción y una estrategia acerca de cómo había que llevar a cabo el cambio de uso de un total de 253 edificios e instalaciones, distribuidos a lo largo de una superficie con una extensión de 1 millón de metros cuadrados. En 1989 inició su actividad la llamada “Bauhütte”. Se sanearon las primeras naves de la zona central del pozo XII, situadas alrededor de la torre de extracción. Se instaló un escenario de ensayos para el Essener Theater (Teatro de Essen) y la filarmónica, que rápidamente fue utilizado para la celebración de gran cantidad de actos públicos. Les siguieron el “Design Zentrum Nordheim-Westfalen”, que ocupó la antigua nave de calderas, y el restaurante “Casino Zollverein”, instalado en la antigua nave de compresores de alta presión. El Zollverein se había convertido en atractivo para los visitantes interesados por la cultura. Lo único que dificultaba una aceptación sin límites por parte de la población era, tan solo, su situación en el norte de Essen, marcada por barrios de la ciudad estructuralmente débiles. Además, los políticos municipales continuaban temiendo que el mantenimiento y saneamiento de los edificios traería consigo costes elevados. Tras la finalización de la primera fase de saneamiento por parte de la “Bauhütte”, en el año 1999, y con la finalización de la Exposición Internacional de la Construcción en Emscherpark, con motivo de la cual se habían saneado desde 1989, como gran proyecto regional, innumerables superficies y conjuntos de edificios –entre ellos el Zollverein– dándoles una nueva utilidad, se volvió a plantear la cuestión de un nuevo desarrollo. Entre tanto se había constituido un grupo de defensores que impulsó la solicitud ante la UNESCO para que acogiese al Zollverein en la lista del Patrimonio Mundial. Las primeras conversaciones exploratorias confirmaron que existían buenas oportunidades, siempre que junto a la solicitud se adjuntase un plan de gestión. Se iniciaron los pasos siguientes: el estudio del famoso arquitecto neerlandés Rem Koolhaas “Office for Metropolitan Architecture” recibió el encargo de elaborar un plan maestro para el Zollverein. Además, en Mayo de 2001 se fundó la Entwicklungsgesellschaft Zollverein (EGZ) y se presentó una solicitud de gran proyecto a la Unión Europea. Además de los otros extensos proyectos de saneamiento, la llamada “Estrategia KMU” jugó un papel muy importante. Una de las tareas principales para los años siguientes fue un programa para fomentar el establecimiento de pequeñas y medianas empresas en el Zollverein. La intervención se centrará en presentar cómo se ha conseguido crear la plataforma de actuación y comunicación KREATIVE KLASSE RUHR, una comunidad de creativos impulsada desde el Zollverein y que funciona de manera sostenible.

Barbara Wendling, Fundación Zollverein de Essen

Compártelo:

Expondremos la importancia que en Gijón viene teniendo la visión cultural en el marco de las políticas de planificación urbana. Cómo la institución municipal contribuye a impulsar y dinamizar la vida cultural local para situarla en la vanguardia de las expresiones creativas contemporáneas, pero manteniendo, al tiempo, las raíces culturales propias de una sociedad que se ha transformado de forma rápida y que cuenta con un tejido asociativo muy desarrollado y activo. La gestión y los objetivos culturales figuran en el núcleo de las políticas de planificación urbana, con especial atención a sus múltiples conexiones con la educación, el desarrollo productivo y, en conjunto, con la evolución de la sociedad local, y partiendo de una doble visión de lo cultural: como elemento de crecimiento y enriquecimiento personal y como factor de bienestar, desarrollo y progreso colectivo.

Un rápido recorrido del desarrollo histórico de la ciudad conducirá a una descripción de su situación en los inicios del periodo democrático, que es el origen del modelo descrito. Trazaremos un repaso de las etapas recorridas desde el inicio de esta andadura, empezando por la construcción de infraestructuras y servicios básicos y la puesta en marcha de las bases conceptuales y organizativas del proyecto cultural de Gijón. Su desarrollo se vio marcado, ya desde un inicio, por su coincidencia con la crisis industrial de la década de 1980, que en Gijón fue muy aguda y larga —duró casi diez años—, afectó simultáneamente a múltiples sectores y tuvo un hondo impacto material y psicológico sobre la sociedad local.

Es éste, precisamente, el punto de partida de los procesos de planificación estratégica de Gijón, concebidos como elementos imprescindibles para sacar a la ciudad de su atasco, trazando nuevos objetivos y expectativas de futuro para su desarrollo. Por tanto, mencionaremos también los dispositivos de planificación creados, reparando en la presencia que en ellos tuvieron las políticas culturales.

En este contexto, tuvieron especial relevancia las investigaciones arqueológicas y la posterior puesta en valor de los hallazgos obtenidos. El nuevo conocimiento acerca de la importancia del pasado prerromano y romano de la ciudad y su peso en el norte peninsular, además de su importancia científica, modificó la percepción de la ciudad sobre sí misma y permitió convertir esa nueva imagen en un activo cultural y promocional y en un factor de autoestima que resultó particularmente conveniente en el momento planteado.

Este rápido relato permite contextualizar la situación actual de Gijón a través de un recorrido amplio y conciso de los elementos que configuran las políticas culturales presentes en nuestro municipio, y sobre todo las que están en desarrollo relacionadas con los nuevos proyectos y objetivos de futuro: el impulso de empresas creativas vinculadas a iniciativas innovadoras, relacionadas unas con la vanguardia artística —destaca sobremanera el proyecto “Laboral Ciudad de la Cultura”, que promueve el Gobierno del Principado de Asturias y en el que también participa el Ayuntamiento de Gijón—, y otras con el desarrollo de la denominada «Milla del conocimiento», espacio en el que confluyen los dispositivos de investigación ligados a la Universidad asturiana, las empresas del Parque Científico y Tecnológico de Gijón, el jardín Botánico Atlántico, el primer hospital de la ciudad y la propia Universidad Laboral, y que se convertirá en uno de los más importantes elementos de dinamización económica local en los próximos años.

Paz Fernández Felgueroso, Alcaldesa de Gijón

Compártelo:

La ciudad de Ámsterdam comenzó a desarrollar sus Broedplaatsenbeleid (políticas de las fábricas de creación) en el 2000. Desde entonces, aproximadamente cuarenta espacios de la ciudad –antiguos muelles, escuelas, plantas industriales y espacios de oficinas– se han transformado en broedplaatsen (fábricas de creación). Unos 107.000 metros cuadrados se emplean como espacios de trabajo y, a veces, como viviendas.

La política de Broedplaatsen trata, fundamentalmente, del desarrollo de lugares de trabajo donde se mezclen los artistas y los empresarios con centros de exposiciones, iniciativas de asistencia social, ONG, clubes y restaurantes. Al facilitar estos lugares de trabajo, la ciudad de Ámsterdam ha observado, después de algunos años, que hay un mejor ambiente cultural en la mayoría de las zonas, una mejora en la cohesión social y una popularidad creciente de las broedplaatsen como lugar de establecimiento de empresas comerciales.

La esencia del trabajo de promoción de nuevas broedplaatsen se centra en la innovación, partiendo de las cualidades básicas de Ámsterdam: la diversidad, la creatividad, la densidad y el dinamismo. Ámsterdam tiene que renovar su imagen de sexo (Barrio Rojo), droga (tolerancia con el uso de drogas blandas) y rock and roll (escenarios musicales y cultura dance), transformándolos en conceptos nuevos. En este sentido, la política para luchar contra la criminalidad en el Barrio Rojo cedió espacio a diseñadores de moda en antiguos burdeles. Esta mezcla funciona dando una nueva imagen a la zona.

Otro ejemplo es el antiguo muelle NSDM en la parte septentrional de la ciudad. El Auntamiento de Ámsterdam comenzó a invertir en 150 estudios para artistas, espacios para ensayos de teatro y un curioso restaurante en un viejo granero. Después de algunos años, el lugar ya no solo era conocido por los artistas y su entorno subcultural, sino también por empresas comerciales y líderes de mercado. En 2005, la sede europea de MTV se estableció a solo 50 metros del antiguo muelle, porque su personal quería estar próximo a los artistas y al ambiente rudo del embarcadero. En este caso, una estrategia de inversiones en instalaciones culturales y estudios para artistas crea condiciones que atraen a las empresas comerciales.

El establecimiento de las broedplaatsen no solo tiene que ver con espacios para los artistas y, por consiguiente, con actividades económicas, sino también con un valor añadido vinculado con el desarrollo social. Los barrios con evidentes problemas sociales y económicos, violencia callejera, mala calidad de las viviendas, entre otros, se pueden beneficiar con las broedplaatsen. El establecimiento de una fábrica de arte, en particular en las zonas predominantemente residenciales menos favorecidas de Ámsterdam, como los suburbios del oeste (de mayoría inmigrante mediterránea) y del sudeste (de inmigrantes surinameses, caribeños y africanos), puede traer una mayor diversidad y vitalidad a la comunidad local. Con personas creativas es más fácil aunar esfuerzos con las iniciativas del barrio y las actividades municipales. La fábrica de arte puede, así, convertirse en un factor de cohesión en todo tipo de producciones culturales, arte comunitario y eventos. Por diferentes motivos, cada vez más artistas individuales así como grupos surgidos de las fábricas de creación, están convencidos de las ventajas de forjar vínculos de este tipo con la comunidad local.

Para las autoridades municipales y barriales, y para los promotores de proyectos y las inmobiliarias, el establecimiento de fábricas de creación es un acontecimiento positivo. La presencia de los artistas puede mejorar la imagen de una zona, y aumentar así el interés por comprar o alquilar viviendas allí. Pero, si conlleva que aumenten los precios de las propiedades locales, no es necesario decir que los propios artistas esperan que sus espacios sigan siendo asequibles a largo plazo. Esto requiere acuerdos firmes con los promotores y las inmobiliarias como socios de la política de fábricas de creación. Especialmente, en el Nieuw West de Ámsterdam, las inmobiliarias comprometidas con los proyectos de regeneración urbana, así como las autoridades barriales, tienen un gran interés en las iniciativas de este tipo. De hecho, las fábricas de creación se ajustan perfectamente a su estrategia de crear distritos residenciales de alta calidad.

La intervención en el mercado inmobiliario es otro de los ejes de la Broedplaatsenbeleid. Actualmente, a los promotores inmobiliarios, a las inmobiliarias y al gobierno local les faltan fondos financieros para nuevos proyectos de envergadura. A parte de esta paralización de nuevos proyectos, actualmente, hay aproximadamente 1,2 millones de metros cuadrados de espacio sin utilizar disponible. Una gran cantidad de este espacio es anticuado y carece de perspectivas de alquiler. Estos dos aspectos ofrecen oportunidades prometedoras para nuevas fábricas de creación. La abundancia de espacios vacíos tendría que hacer bajar los precios, poniendo más espacios al alcance de más artistas y de iniciativas creativas y culturales. Pero ¿realmente el mercado está solucionando el problema de la falta de espacio asequible? No es tan sencillo. Por ejemplo, la oferta de espacio se caracteriza principalmente por grandes espacios de oficinas situados en las zonas menos populares. Por otra parte, la demanda de espacio es individual, dispersa, desorganizada e ignora esta oferta.

Eso nos conduce al principal foco de atención del bureau Broedplaatsen ¿Cómo salvar la brecha entre los grandes espacios vacíos y la gran cantidad de creativos dispersos? Hace falta comunicación y organización. No se trata solo de una cuestión de desajuste de dos dimensiones diferentes, se trata también del encuentro de dos mundos diferentes: el inmobiliario y el creativo. En mi presentación, propondré la respuesta que ha dado la ciudad de Ámsterdam al desajuste de estos dos mundos.

Jaap Schoufour, Director de Bureau Broedplaatser de Ámsterdam

Compártelo:

Al igual que el resto de factores y condiciones que conforman nuestra sociedad actual, en el ámbito cultural en general, y en particular en la parcela creativa, nos hemos dotado de innumerables infraestructuras y equipamientos tendentes a dar respuesta a la amplia gama de tendencias y propuestas de la cultura contemporánea.

En este sentido, en nuestras ciudades han crecido espacios museísticos de última generación. Junto a la rehabilitación y puesta en valor de los museos históricos, se han dotado de centros culturales “alternativos”, mediatecas, centros de interpretación, equipamientos especializados o generalistas, territoriales, analógicos, digitales, urbanos y rurales, de titularidad pública, privada o mixta.

Nunca habíamos asistido a tal magnitud de propuestas, a tan gran número de proyectos exitosos, y a tan alto grado de dudas y de frustraciones, como si de una loca carrera virtual se tratara, y en la que en cada tramo de la misma se modifica el tipo de transporte y el combustible utilizado.La actual edición de Ciudades Creativas nos va a permitir abordar este ámbito temático acerca de los Centros Culturales del siglo XXI, a través de experiencias, análisis e interpretaciones de especialistas, técnicos y expertos en la materia, tanto desde el punto de vista europeo como latinoamericano y estadounidense.

Las distintas reflexiones de los ponentes nos van a dar a conocer las múltiples opciones existentes, algunas contradictorias, pero como conclusión podremos entender que no hay razón para una uniformización de los proyectos, tan dispares como dispares son las realidades donde se ubican, pero sí que resulta necesaria la constante evaluación de los mismos, sobre todo en cuanto a sus finalidades, a las modalidades de gestión y a los públicos objetivos a los que se considera destinatarios.

Miguel Zarzuela, Director de la Oficina de Proyectos y Cooperación Cultural del Ayuntamiento de Zaragoza

Compártelo:

La intervención se centrará en la política actual del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid de apoyo a la creación en el ámbito cultural. Describirá instrumentos concretos de dicha política como son:

• Matadero Madrid y sus espacios, entidades y servicios actuales y en creación: Matadero Madrid es un espacio vivo y cambiante al servicio de los procesos creativos, de la formación artística participativa y del diálogo entre las artes. Nace con la voluntad de contribuir a la reflexión sobre el entorno sociocultural contemporáneo y con la vocación de apoyar los procesos de construcción de la cultura del presente y del futuro. Matadero Madrid tiene como misión la promoción de la creación, en todas sus formas y expresiones, con especial atención a las propuestas transversales, a través de tres ejes de actuación: formación, producción y difusión.

• Medialab Prado: Medialab Prado es un espacio orientado a la producción, investigación y difusión de la cultura digital y del ámbito de confluencia entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. En su espacio se celebran talleres de producción y de formación, seminarios y debates, reuniones de diferentes grupos de trabajo, muestras de proyectos, conciertos, etc. El principal objetivo es crear una estructura en la que tanto la investigación como la producción sean procesos permeables a la participación de los usuarios.

• Los talleres de Pradolongo

• Las subvenciones nominativas y por convocatorias públicas

Carlos Baztán Lacasa, Coordinador General de Apoyo a la Creación del Área de las Artes, del Ayuntamiento de Madrid

Compártelo:

Los espacios de experimentación y de producción artística hoy también se ven inmersos en el conjunto de transformaciones generales que se vinculan a lo que entendemos como sociedad del conocimiento y a la crisis de las formas de producción. Muchos creadores, cada vez más ajenos a modelos forjados en el espacio único del arte y la práctica formalista, ensayan otras prácticas directamente concebidas como pura producción de conocimiento, como experimentación de nuevas metodologías de trabajo, de procesos colectivos o en red, o como la producción de prototipos alejados del objeto único. Lo que para algunos agentes culturales se entiende como una forma peligrosa de atravesar los límites de lo artístico que está desbordando una lectura disciplinar y sectorial; para otros significa la consolidación de un cambio de paradigma en la producción artística y, por lo tanto, la  necesidad derivada de generar otro tipo de estructuras de apoyo que entiendan que dichas prácticas a menudo funcionan como departamentos de investigación con múltiples vínculos intersectoriales.

Parece pues que llega el momento de variar la percepción del papel de los centros de producción artística, unos centros que en su mayoría ya están trabajando bajo los parámetros que definen el concepto de colaboratorio. Este concepto, surgido de la combinación de las palabras colaboración y laboratorio, designa un centro de investigación y de producción de conocimiento, un ‘”centro sin paredes” y distribuido que permitiría implicar en un mismo proyecto a varios actores de ámbitos diversos en procesos de conocimiento compartido y colectivo. Un centro de producción en este contexto, ha de considerar también como una de sus funciones el fomento de la transferencia de conocimientos surgidos tanto del colaboratorio como de otros proyectos realizados en él, buscando en ello complementar el contexto del que forma parte.

Pensar los centros de experimentación y producción cultural como espacios expandidos de generación de procesos, objetos, prototipos y conocimiento, al tiempo que nodos de varias redes que se entrecruzan, significa que conviene ampliar y superar lo que en los últimos años ha podido ser una visión probablemente demasiado reducida de la producción artística y su real impacto.

Así, la inversión en cultura debería entenderse como una inversión en la creación de contextos que sepan generar posibilidades y no como meras estrategias multiplicadoras de contenedores, de actividades y de programaciones.

Tere Badia, Directora de Hangar, Barcelona

Compártelo:

En la ponencia se explican  las  acciones realizadas para conseguir la participación, colaboración  e implicación del barrio en la creación del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA).

Hace un año, la Cámara de Diputados de la ciudad de Buenos Aires donó por 30 años prorrogables los edificios y el solar del antiguo Patronato de la Infancia al Centro Cultural de España de la AECID.

Estos edificios que estuvieron durante mucho tiempo abandonados fueron ocupados por familias sin hogar durante varios años. Éstas  fueron desalojadas violentamente en el año 2003. Desde entonces el proceso de deterioro fue aumentando y su degradación unida  a los rumores de demolición para la creación de un shopping creció, creando opiniones encontradas en el barrio.

La decisión final de cesión al Gobierno de España para la instalación de su centro cultural ha sido en general  bien aceptada, porque se hizo, desde el primer momento, una campaña de información y colaboración con las asociaciones barriales.

Ricardo Ramón, Director del Centro Cultural de España en Buenos Aires

Compártelo:

Quiero empezar mi intervención con una cita de Peter Handke, que inspiró mucho el trabajo que hicimos sobre las friche (fábricas de creación) y espacios intermediarios con Michel Duffour, Secretario de Estado de Cultura en Francia entre 2000 y 2002. Peter Handke habla de los espacios intermedios, cuando uno navega y se encuentra con dos grandes barcos que se aproximan, si uno se desliza entre los dos barcos, el horizonte se despeja de nuevo.

Creo que los espacios que intentamos pensar hoy, que tratamos de conceptualizar, que queremos reinventar, son espacios misteriosos más que “nuevos territorios del arte”, las palabras del escritor “espacios intermedios” me parece más correcta, puesto que deja la definición abierta a la mirada y a la situación, permite crearse la esperanza de encontrar nuevos horizontes a nuestras infranqueables políticas culturales, y pensar que podemos encontrar nuevos objetivos a los proyectos de equipamientos que inventemos.
Creo realmente que nos encontramos en una nueva era de la acción cultural. De hecho, hace unos veinte años, heredamos de nuestros predecesores políticas que se han estructurado y que han sido una referencia mundial, basadas en esquemas estructurales muy precisos, construidas mediante diferentes disciplinas y diferentes estratos de equipamientos. Pienso que hoy, dada la vitalidad del territorio nacional e internacional, nos damos cuenta que las políticas culturales heredadas ya no pueden seguir satisfaciendo a los públicos, los artistas, y, en general, a la población. Actualmente, el problema reside en el hecho que las políticas culturales están hechas para “los profesionales de la profesión”, incluidos los públicos consumidores, pero no están suficientemente pensadas para la población.

El conjunto de estudios producidos por el Ministerio de la Cultura francés muestra que las prácticas han sido transformadas por la introducción de nuevas tecnologías, mientras que sigue existiendo una brecha en las prácticas entre los que las han heredado y los excluidos de este proceso. Creo que nuestro deber, consiste, cuando pensamos la política cultural, cuando intentamos repensar en Congresos como el que se ha organizado aquí, en intentar repensar como la cultura puede ser actualmente un verdadero motor de transformación social, el motor de la transformación urbana, el motor de la transformación económica, el motor de la transformación política.

A menudo, desde hace dos o tres años, sobre todo porque ya no estoy en el sector, también porque los caminos profesionales me han llevado a navegar por diferentes esferas, pienso que hay que suprimir el Ministerio de la Cultura en Francia. Creo por ejemplo que también hay que pensar en una redefinición completa de las delegaciones culturales puesto que la cultura puede ser una verdadera herramienta de transformación y de proceso democrático, si no se privatiza.

Generalmente seguimos un hilo, un hilo que hemos heredado del siglo XIX. Creo que debemos acabar radicalmente con la noción de autonomía del arte, esto no entra en contradicción con la necesidad que tienen los artistas de ser libres en sus creaciones.

Creo que debemos volver a intentar tejer y trabajar conjuntamente sobre la manera en que las diferentes fuerzas sociales y económicas del país pueden colaborar con los artistas, casi tengo ganas de decir, como se hace en los sectores de investigación y desarrollo.

También quiero insistir sobre un elemento: no debemos seguir creyendo que podemos hacer una política cultural con una cartografía de equipamientos, ya no es posible. Debemos intentar trabajar sobre representaciones que muestren recorridos, hay que dejar de hacer programas de equipamientos y elaborar relatos de política cultural, hay que elaborar relatos sobre “¿cómo vivirán los nuevos equipamientos culturales?”. El plan importa poco, tampoco importan las disciplinas ni los artistas, lo que cuenta es como cada cosa va a poder explicar el relato con la ciudad, y sobre todo intentar que estos nuevos lugares culturales no se conviertan en nuevas fortalezas…

Creo finalmente que cuando hablamos de recorrido, cuando intentamos traspasar la lógica de equipamiento, es necesario trabajar de verdad sobre el paisaje y el espacio. Es verdad en este punto que, y me viene a la cabeza Jean Blaise, una de las contemporaneidades que se trabaja es el tema del arte en los espacios públicos, pero en todos los espacios públicos, no solamente exteriores, también puede ser el interior de los futuros espacios culturales. ¿Por qué se trabaja fundamentalmente en la relación entre cultura y espacio público? Si no podemos ampliar el espacio público, si no conseguimos articular alrededor de este espacio público a una población, estaremos obligados a ceder a la mercantilización del arte.

Fabrice Lextrait, Ex director de la Friche du Belle de Mai, Marsella

Compártelo: