La ciudad de Ámsterdam comenzó a desarrollar sus Broedplaatsenbeleid (políticas de las fábricas de creación) en el 2000. Desde entonces, aproximadamente cuarenta espacios de la ciudad –antiguos muelles, escuelas, plantas industriales y espacios de oficinas– se han transformado en broedplaatsen (fábricas de creación). Unos 107.000 metros cuadrados se emplean como espacios de trabajo y, a veces, como viviendas.

La política de Broedplaatsen trata, fundamentalmente, del desarrollo de lugares de trabajo donde se mezclen los artistas y los empresarios con centros de exposiciones, iniciativas de asistencia social, ONG, clubes y restaurantes. Al facilitar estos lugares de trabajo, la ciudad de Ámsterdam ha observado, después de algunos años, que hay un mejor ambiente cultural en la mayoría de las zonas, una mejora en la cohesión social y una popularidad creciente de las broedplaatsen como lugar de establecimiento de empresas comerciales.

La esencia del trabajo de promoción de nuevas broedplaatsen se centra en la innovación, partiendo de las cualidades básicas de Ámsterdam: la diversidad, la creatividad, la densidad y el dinamismo. Ámsterdam tiene que renovar su imagen de sexo (Barrio Rojo), droga (tolerancia con el uso de drogas blandas) y rock and roll (escenarios musicales y cultura dance), transformándolos en conceptos nuevos. En este sentido, la política para luchar contra la criminalidad en el Barrio Rojo cedió espacio a diseñadores de moda en antiguos burdeles. Esta mezcla funciona dando una nueva imagen a la zona.

Otro ejemplo es el antiguo muelle NSDM en la parte septentrional de la ciudad. El Auntamiento de Ámsterdam comenzó a invertir en 150 estudios para artistas, espacios para ensayos de teatro y un curioso restaurante en un viejo granero. Después de algunos años, el lugar ya no solo era conocido por los artistas y su entorno subcultural, sino también por empresas comerciales y líderes de mercado. En 2005, la sede europea de MTV se estableció a solo 50 metros del antiguo muelle, porque su personal quería estar próximo a los artistas y al ambiente rudo del embarcadero. En este caso, una estrategia de inversiones en instalaciones culturales y estudios para artistas crea condiciones que atraen a las empresas comerciales.

El establecimiento de las broedplaatsen no solo tiene que ver con espacios para los artistas y, por consiguiente, con actividades económicas, sino también con un valor añadido vinculado con el desarrollo social. Los barrios con evidentes problemas sociales y económicos, violencia callejera, mala calidad de las viviendas, entre otros, se pueden beneficiar con las broedplaatsen. El establecimiento de una fábrica de arte, en particular en las zonas predominantemente residenciales menos favorecidas de Ámsterdam, como los suburbios del oeste (de mayoría inmigrante mediterránea) y del sudeste (de inmigrantes surinameses, caribeños y africanos), puede traer una mayor diversidad y vitalidad a la comunidad local. Con personas creativas es más fácil aunar esfuerzos con las iniciativas del barrio y las actividades municipales. La fábrica de arte puede, así, convertirse en un factor de cohesión en todo tipo de producciones culturales, arte comunitario y eventos. Por diferentes motivos, cada vez más artistas individuales así como grupos surgidos de las fábricas de creación, están convencidos de las ventajas de forjar vínculos de este tipo con la comunidad local.

Para las autoridades municipales y barriales, y para los promotores de proyectos y las inmobiliarias, el establecimiento de fábricas de creación es un acontecimiento positivo. La presencia de los artistas puede mejorar la imagen de una zona, y aumentar así el interés por comprar o alquilar viviendas allí. Pero, si conlleva que aumenten los precios de las propiedades locales, no es necesario decir que los propios artistas esperan que sus espacios sigan siendo asequibles a largo plazo. Esto requiere acuerdos firmes con los promotores y las inmobiliarias como socios de la política de fábricas de creación. Especialmente, en el Nieuw West de Ámsterdam, las inmobiliarias comprometidas con los proyectos de regeneración urbana, así como las autoridades barriales, tienen un gran interés en las iniciativas de este tipo. De hecho, las fábricas de creación se ajustan perfectamente a su estrategia de crear distritos residenciales de alta calidad.

La intervención en el mercado inmobiliario es otro de los ejes de la Broedplaatsenbeleid. Actualmente, a los promotores inmobiliarios, a las inmobiliarias y al gobierno local les faltan fondos financieros para nuevos proyectos de envergadura. A parte de esta paralización de nuevos proyectos, actualmente, hay aproximadamente 1,2 millones de metros cuadrados de espacio sin utilizar disponible. Una gran cantidad de este espacio es anticuado y carece de perspectivas de alquiler. Estos dos aspectos ofrecen oportunidades prometedoras para nuevas fábricas de creación. La abundancia de espacios vacíos tendría que hacer bajar los precios, poniendo más espacios al alcance de más artistas y de iniciativas creativas y culturales. Pero ¿realmente el mercado está solucionando el problema de la falta de espacio asequible? No es tan sencillo. Por ejemplo, la oferta de espacio se caracteriza principalmente por grandes espacios de oficinas situados en las zonas menos populares. Por otra parte, la demanda de espacio es individual, dispersa, desorganizada e ignora esta oferta.

Eso nos conduce al principal foco de atención del bureau Broedplaatsen ¿Cómo salvar la brecha entre los grandes espacios vacíos y la gran cantidad de creativos dispersos? Hace falta comunicación y organización. No se trata solo de una cuestión de desajuste de dos dimensiones diferentes, se trata también del encuentro de dos mundos diferentes: el inmobiliario y el creativo. En mi presentación, propondré la respuesta que ha dado la ciudad de Ámsterdam al desajuste de estos dos mundos.

Jaap Schoufour, Director de Bureau Broedplaatser de Ámsterdam

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Al igual que el resto de factores y condiciones que conforman nuestra sociedad actual, en el ámbito cultural en general, y en particular en la parcela creativa, nos hemos dotado de innumerables infraestructuras y equipamientos tendentes a dar respuesta a la amplia gama de tendencias y propuestas de la cultura contemporánea.

En este sentido, en nuestras ciudades han crecido espacios museísticos de última generación. Junto a la rehabilitación y puesta en valor de los museos históricos, se han dotado de centros culturales “alternativos”, mediatecas, centros de interpretación, equipamientos especializados o generalistas, territoriales, analógicos, digitales, urbanos y rurales, de titularidad pública, privada o mixta.

Nunca habíamos asistido a tal magnitud de propuestas, a tan gran número de proyectos exitosos, y a tan alto grado de dudas y de frustraciones, como si de una loca carrera virtual se tratara, y en la que en cada tramo de la misma se modifica el tipo de transporte y el combustible utilizado.La actual edición de Ciudades Creativas nos va a permitir abordar este ámbito temático acerca de los Centros Culturales del siglo XXI, a través de experiencias, análisis e interpretaciones de especialistas, técnicos y expertos en la materia, tanto desde el punto de vista europeo como latinoamericano y estadounidense.

Las distintas reflexiones de los ponentes nos van a dar a conocer las múltiples opciones existentes, algunas contradictorias, pero como conclusión podremos entender que no hay razón para una uniformización de los proyectos, tan dispares como dispares son las realidades donde se ubican, pero sí que resulta necesaria la constante evaluación de los mismos, sobre todo en cuanto a sus finalidades, a las modalidades de gestión y a los públicos objetivos a los que se considera destinatarios.

Miguel Zarzuela, Director de la Oficina de Proyectos y Cooperación Cultural del Ayuntamiento de Zaragoza

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La intervención se centrará en la política actual del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid de apoyo a la creación en el ámbito cultural. Describirá instrumentos concretos de dicha política como son:

• Matadero Madrid y sus espacios, entidades y servicios actuales y en creación: Matadero Madrid es un espacio vivo y cambiante al servicio de los procesos creativos, de la formación artística participativa y del diálogo entre las artes. Nace con la voluntad de contribuir a la reflexión sobre el entorno sociocultural contemporáneo y con la vocación de apoyar los procesos de construcción de la cultura del presente y del futuro. Matadero Madrid tiene como misión la promoción de la creación, en todas sus formas y expresiones, con especial atención a las propuestas transversales, a través de tres ejes de actuación: formación, producción y difusión.

• Medialab Prado: Medialab Prado es un espacio orientado a la producción, investigación y difusión de la cultura digital y del ámbito de confluencia entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. En su espacio se celebran talleres de producción y de formación, seminarios y debates, reuniones de diferentes grupos de trabajo, muestras de proyectos, conciertos, etc. El principal objetivo es crear una estructura en la que tanto la investigación como la producción sean procesos permeables a la participación de los usuarios.

• Los talleres de Pradolongo

• Las subvenciones nominativas y por convocatorias públicas

Carlos Baztán Lacasa, Coordinador General de Apoyo a la Creación del Área de las Artes, del Ayuntamiento de Madrid

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Los espacios de experimentación y de producción artística hoy también se ven inmersos en el conjunto de transformaciones generales que se vinculan a lo que entendemos como sociedad del conocimiento y a la crisis de las formas de producción. Muchos creadores, cada vez más ajenos a modelos forjados en el espacio único del arte y la práctica formalista, ensayan otras prácticas directamente concebidas como pura producción de conocimiento, como experimentación de nuevas metodologías de trabajo, de procesos colectivos o en red, o como la producción de prototipos alejados del objeto único. Lo que para algunos agentes culturales se entiende como una forma peligrosa de atravesar los límites de lo artístico que está desbordando una lectura disciplinar y sectorial; para otros significa la consolidación de un cambio de paradigma en la producción artística y, por lo tanto, la  necesidad derivada de generar otro tipo de estructuras de apoyo que entiendan que dichas prácticas a menudo funcionan como departamentos de investigación con múltiples vínculos intersectoriales.

Parece pues que llega el momento de variar la percepción del papel de los centros de producción artística, unos centros que en su mayoría ya están trabajando bajo los parámetros que definen el concepto de colaboratorio. Este concepto, surgido de la combinación de las palabras colaboración y laboratorio, designa un centro de investigación y de producción de conocimiento, un ‘”centro sin paredes” y distribuido que permitiría implicar en un mismo proyecto a varios actores de ámbitos diversos en procesos de conocimiento compartido y colectivo. Un centro de producción en este contexto, ha de considerar también como una de sus funciones el fomento de la transferencia de conocimientos surgidos tanto del colaboratorio como de otros proyectos realizados en él, buscando en ello complementar el contexto del que forma parte.

Pensar los centros de experimentación y producción cultural como espacios expandidos de generación de procesos, objetos, prototipos y conocimiento, al tiempo que nodos de varias redes que se entrecruzan, significa que conviene ampliar y superar lo que en los últimos años ha podido ser una visión probablemente demasiado reducida de la producción artística y su real impacto.

Así, la inversión en cultura debería entenderse como una inversión en la creación de contextos que sepan generar posibilidades y no como meras estrategias multiplicadoras de contenedores, de actividades y de programaciones.

Tere Badia, Directora de Hangar, Barcelona

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En la ponencia se explican  las  acciones realizadas para conseguir la participación, colaboración  e implicación del barrio en la creación del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA).

Hace un año, la Cámara de Diputados de la ciudad de Buenos Aires donó por 30 años prorrogables los edificios y el solar del antiguo Patronato de la Infancia al Centro Cultural de España de la AECID.

Estos edificios que estuvieron durante mucho tiempo abandonados fueron ocupados por familias sin hogar durante varios años. Éstas  fueron desalojadas violentamente en el año 2003. Desde entonces el proceso de deterioro fue aumentando y su degradación unida  a los rumores de demolición para la creación de un shopping creció, creando opiniones encontradas en el barrio.

La decisión final de cesión al Gobierno de España para la instalación de su centro cultural ha sido en general  bien aceptada, porque se hizo, desde el primer momento, una campaña de información y colaboración con las asociaciones barriales.

Ricardo Ramón, Director del Centro Cultural de España en Buenos Aires

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Quiero empezar mi intervención con una cita de Peter Handke, que inspiró mucho el trabajo que hicimos sobre las friche (fábricas de creación) y espacios intermediarios con Michel Duffour, Secretario de Estado de Cultura en Francia entre 2000 y 2002. Peter Handke habla de los espacios intermedios, cuando uno navega y se encuentra con dos grandes barcos que se aproximan, si uno se desliza entre los dos barcos, el horizonte se despeja de nuevo.

Creo que los espacios que intentamos pensar hoy, que tratamos de conceptualizar, que queremos reinventar, son espacios misteriosos más que “nuevos territorios del arte”, las palabras del escritor “espacios intermedios” me parece más correcta, puesto que deja la definición abierta a la mirada y a la situación, permite crearse la esperanza de encontrar nuevos horizontes a nuestras infranqueables políticas culturales, y pensar que podemos encontrar nuevos objetivos a los proyectos de equipamientos que inventemos.
Creo realmente que nos encontramos en una nueva era de la acción cultural. De hecho, hace unos veinte años, heredamos de nuestros predecesores políticas que se han estructurado y que han sido una referencia mundial, basadas en esquemas estructurales muy precisos, construidas mediante diferentes disciplinas y diferentes estratos de equipamientos. Pienso que hoy, dada la vitalidad del territorio nacional e internacional, nos damos cuenta que las políticas culturales heredadas ya no pueden seguir satisfaciendo a los públicos, los artistas, y, en general, a la población. Actualmente, el problema reside en el hecho que las políticas culturales están hechas para “los profesionales de la profesión”, incluidos los públicos consumidores, pero no están suficientemente pensadas para la población.

El conjunto de estudios producidos por el Ministerio de la Cultura francés muestra que las prácticas han sido transformadas por la introducción de nuevas tecnologías, mientras que sigue existiendo una brecha en las prácticas entre los que las han heredado y los excluidos de este proceso. Creo que nuestro deber, consiste, cuando pensamos la política cultural, cuando intentamos repensar en Congresos como el que se ha organizado aquí, en intentar repensar como la cultura puede ser actualmente un verdadero motor de transformación social, el motor de la transformación urbana, el motor de la transformación económica, el motor de la transformación política.

A menudo, desde hace dos o tres años, sobre todo porque ya no estoy en el sector, también porque los caminos profesionales me han llevado a navegar por diferentes esferas, pienso que hay que suprimir el Ministerio de la Cultura en Francia. Creo por ejemplo que también hay que pensar en una redefinición completa de las delegaciones culturales puesto que la cultura puede ser una verdadera herramienta de transformación y de proceso democrático, si no se privatiza.

Generalmente seguimos un hilo, un hilo que hemos heredado del siglo XIX. Creo que debemos acabar radicalmente con la noción de autonomía del arte, esto no entra en contradicción con la necesidad que tienen los artistas de ser libres en sus creaciones.

Creo que debemos volver a intentar tejer y trabajar conjuntamente sobre la manera en que las diferentes fuerzas sociales y económicas del país pueden colaborar con los artistas, casi tengo ganas de decir, como se hace en los sectores de investigación y desarrollo.

También quiero insistir sobre un elemento: no debemos seguir creyendo que podemos hacer una política cultural con una cartografía de equipamientos, ya no es posible. Debemos intentar trabajar sobre representaciones que muestren recorridos, hay que dejar de hacer programas de equipamientos y elaborar relatos de política cultural, hay que elaborar relatos sobre “¿cómo vivirán los nuevos equipamientos culturales?”. El plan importa poco, tampoco importan las disciplinas ni los artistas, lo que cuenta es como cada cosa va a poder explicar el relato con la ciudad, y sobre todo intentar que estos nuevos lugares culturales no se conviertan en nuevas fortalezas…

Creo finalmente que cuando hablamos de recorrido, cuando intentamos traspasar la lógica de equipamiento, es necesario trabajar de verdad sobre el paisaje y el espacio. Es verdad en este punto que, y me viene a la cabeza Jean Blaise, una de las contemporaneidades que se trabaja es el tema del arte en los espacios públicos, pero en todos los espacios públicos, no solamente exteriores, también puede ser el interior de los futuros espacios culturales. ¿Por qué se trabaja fundamentalmente en la relación entre cultura y espacio público? Si no podemos ampliar el espacio público, si no conseguimos articular alrededor de este espacio público a una población, estaremos obligados a ceder a la mercantilización del arte.

Fabrice Lextrait, Ex director de la Friche du Belle de Mai, Marsella

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Licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Universidad de Ámsterdam. Después de trabajar como consultor de comunicación en proyectos de desarrollo en Europa del Este, trabaja para B & A Group (La Haya) como investigador y asesor en el ámbito de las políticas nacionales. En 1997, empieza a trabajar como director de proyectos para el Ayuntamiento de Ámsterdam sobre la evolución urbana de la orilla del río IJ. En el año 2003 entra en la oficina municipal Broedplaatsen, de la que se convierte en director en el año 2004.

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Arquitecto superior por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (1974). Coordinador general de Apoyo a la Creación del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid. Ha trabajado ininterrumpidamente en las tres administraciones públicas españolas desde 1981, siempre en el ámbito de la gestión cultural pública. Ha gestionado más de un centenar de proyectos y obras de infraestructuras culturales públicas, entre las que se encuentran: el Museo Nacional de Arte Romano (obra de Rafael Moneo), el Museo de Altamira, y, en Madrid, el proyecto de los Teatros del Canal  (obra de Juan Navarro Baldeweg), la Biblioteca y el Archivo Regional  (obras de Tuñón y Mansilla) o el Teatro Valle Inclán (obra de Paredes y Pedrosa ) o Andén Cero. De su actual puesto de Coordinador General de Apoyo a la Creación han dependido y dependen los proyectos, las obras y la gestión de Matadero Madrid (Intermediae, Abierto por Obras, Central de Diseño, Naves del Español, Cineteca, Nave 16…), Medialab Prado y Serrería Belga, los talleres para artistas de Pradolongo, las modalidades de convocatorias de ayudas a artistas y La Noche en Blanco, entre otros. Ha dictado cursos y conferencias en 20 países de Europa y América.

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Tere Badia es Historiadora del Arte y Master en Sociología del IN3. Actualmente es directora de Hangar.org, centro de experimentación y producción de artes visuales en Barcelona. De forma independiente, ha asesorado a redes y colectivos artísticos en procesos organizativos. Ha realizado diversos estudios analíticos y manuales de cooperación en el ámbito de la cultura y de la de I+D+i para las artes visuales. Entre sus actividades profesionales se encuentran también el comisariado de exposiciones, la edición, la docencia o la comunicación multimedial. Ha coordinado la primera edición en Catalunya del programa DISONANCIAS de relaciones entre artistas y departamentos de I+D+i de empresas. Próximamente inaugura la exposición El D_efecto barroco: políticas de la imagen hispana, con Jorge Luis Marzo en el CCCB.

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Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza. Ha trabajado desde 1998 para la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), actualmente como Director del Centro Cultural de España en Buenos Aires, anteriormente ha sido Director del Centro Cultural de España en Santo Domingo (República Dominicana) y del de Lima (Perú), donde fue Director del Festival Internacional de Música Contemporánea de Lima. Catalogando la obra pictórica, escultórica y bibliográfica de las Colecciones del Museo de Bellas Artes de Huesca, descubre 12 cuadros inéditos del siglo XVIII de gran formato, entre los que se encuentra  una obra importante de Francisco de Goya, El retrato de Antonio Beyan, lo que marca su trayectoria profesional y lo hace ser uno de los especialistas en el universal pintor aragonés. Como museólogo ha trabajado para el Gobierno Aragonés en el proyecto del Museo Aragonés de Arte Contemporáneo y en la creación del Museo Pablo Serrano. Fue Premio de investigación Fundación Pilar y Joan Miró 1995, Beca Sotheby´s, realizando la catalogación y estudio de la obra de la Fundación Miró de Palma de Mallorca y comisariando la exposición Artistes espanyols als anys 70 a la col.lecció de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Ha sido Técnico de Gestión Cultural de la Sociedad Municipal Zaragoza Cultural del Ayuntamiento de Zaragoza. Es fundador de la Asociación Aragonesa de Críticos de Arte, así como miembro de las  Asociaciones Española e Internacional de Críticos de Arte. Ha coordinado, conceptualizado y curado numerosas  exposiciones, tanto a nivel nacional como internacional, en países como Brasil, México, Italia, Francia, Portugal, Marruecos, entre ellas: Exposición Antológica  de Goya; Exposición El Settecento Veneciano; Exposición Antológica de Darío Suro, con Laura Gil.

Ha participado en numerosos congresos y seminarios sobre gestión y cooperación cultural, así como organizado numerosas reuniones y seminarios sobre este tema en Iberoamérica. Ha dirigido cursos sobre museología en la Universidad de Lusiada de Lisboa y programado las ediciones de la Universidad de verano del CCE. Autor de profusos artículos en revistas especializadas y libros sobre arte, entre los que  destaca la dirección de la Colección de Monografías de Arte del Centro Cultural de España en Santo Domingo. Ha redactado textos y presentaciones de catálogos de numerosos artistas nacionales e internacionales, entre ellos: Goya, Miró, Barceló, Antonio Saura, Víctor Mira, Tina Modotti, Fernando Varela, Pascal Meccariello, Enrique Torrijos, Lucia Landaluce, Belkis Ramírez.

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